Red Dead RedemptionOriginal Soundtrack es la banda sonora de la música del videojuego Red Dead Redemption. Fue compuesta principalmente por el miembro de Friends of Dean Martinez, Bill Elm y su ex-compañero Woody Jackson. Además, contaron con la colaboración de otros artistas como el músico sueco de folk José González.
El supervisor de la música de Rockstar, Ivan Pavlovich —que ha firmado el aspecto musical de los títulos de la saga Grand Theft Auto— fue el encargado de realizar el apartado musical en Red Dead Redemption. Pavlovich aseguró que, a diferencia de GTA, "no había manera de utilizar música con licencia como habíamos hecho en el pasado. Así que nos dimos cuenta que íbamos a necesitar escribir nuestra propia música".
Pavlovich contactó con la banda de Tucson, Arizona, Friends of Dean Martinez, y pensó al escucharlos: "estos tipos podrían hacer una interpretación moderna fantástica de música clásica de western". Fue entonces cuando contactaron con el fundador de la banda, Bill Elm y su compañero Woody Jackson. La música en el juego varía según el personaje se encuentre en las distintas tierras que conforman el mapa de Red Dead Redemption. El juego está acompañado continuamente por una banda sonora instrumental de fondo que cambia según el momento de la historia y a medida que el jugador se encuentre en Estados Unidos o en México sonará un tipo de música característico.
Según el propio Jackson, "cuando el juego comienza, en la zona de la Frontera, tenemos algunos silbatos, violines, una harmónica, guitarras -que le confiere una auténtica sensación de tranquilidad. Después llegas a México, donde utilizamos algunos cuernos". Jackson aseguró que trabajaron en la banda sonora de Red Dead Redemption durante quince meses.
"Mother" es una canción de Danzig que apareció por primera vez en su álbum debut de 1988, Danzig. Esta banda, liderada por el ex-Misfits Glenn Danzig, logró gran popularidad en el ambiente underground estadounidense con este disco que contiene un sonido muy ligado al Heavy Metal con ideales satánicos y que además contaba con la colaboración del guitarrista y cantante de Metallica, James Hetfield.
Temáticamente, la canción es un desafío retórico para los padres que desean proteger a sus hijos de lo que es creído por Danzig, siendo la realidad representada por la música Heavy Metal. El autor de esta polémica canción fue el cantante Glenn Danzig y está inspirada en los simpáticos y horribles discursos conservadores de la activista y psicologa Tipper Gore, quien en 1984 fundó el Parents Music Resource Center ('PMRC, Centro de Recursos Musicales para Padres). Este centro de recursos fue muy criticado por los músicos estadounidenses, especialmente por Jello Biafra de los Dead Kennedys y Frank Zappa. Ambos artistas coinciden en que esta organización conservadora solo se dedicaba a crear miedo entre la gente, y especialmente la juventud, con sus campañas de censura al Heavy metal. Otros artistas han señalado que el PMRC tiene muchos lazos comunes con la derecha religiosa americana.
A Glenn Danzig tampoco le caía bien esta agrupación que sólo servia para llamar la atención popular y portestar ante cualquier riff influenciado por "el cola de flecha" o una letra que tenga un mensaje mas allá de lo moral o lo escrito en sus deberes y derechos. Si eso ocurría, de forma inmediata el disco llevaba un logo que decia Parental Advisory, con el cual se les advertía a los adultos que ese disco que su hijo tenía en sus manos contenía mensajes explicitos. Por este motivo, Glenn le escribió la canción llamada "Mother"
En la canción, el cantante le hace un desafío abierto a esos "buenos" padres que desean proteger a sus hijos de una realidad inventada por un grupo de personas que quieren tener todo en orden y que inventaron que todo ese satanismo del rock y sus guitarras locas provocarían algo parecido al fin del mundo. En la canción, Danzig, canta frases donde se refiere a que no necesita la ayuda de sus padres para elegir su estilo de vida o que disco escuchar, y todo eso lo esconde en la metafora de la inocente frase"Tell your children not to walk my way".
Para apoyar la difución del single, la banda decide publicar un videoclip en 1988. El video fue rechazado por la MTV por su secuencia final, que contiene imágenes de un pollo que sacrificaron y una cruz invertida que se dibuja en su sangre. Para mantener la calma de los ecologistas y los vegetarianos, Glenn Danzig mencionó en una netrevista a un medio en 1998 que el pollo no fue asesinado ni herido en el video, solo fue un gran actor.
La canción se convirtió en un éxito en la radio y MTV en 1993-1994 después de un video musical que incorporaba material en vivo, y que fue creado para promover el nuevo EP de la banda, Thrall: Demonsweatlive. Esta versión de la canción fue retitulado "Mother 93" y que incluía una mezcla de la audiencia "en vivo" a lo alto de la pista original. El tema se convirtió en una pieza de culto para el Metal y el rock en general.
Tanto el video original y la versión de material en vivo apareció en Beavis and Butt-head, en los episodios "La pesca diván" y "Línea de Crisis". La canción alcanzó el puesto número 17 en el Billboard Hot Mainstream Rock Tracks y 43 en el Hot 100. En el Reino Unido, la canción alcanzó el puesto número 62 en la lista de sencillos.
La canción apareció en el video juego Grand Theft Auto: San Andreas, en la estación Radio X, así como en el juego True Crime: New York City. Una versión apareció en Guitar Hero 2, mientras que la pista maestra apareció en el juego Guitar Hero: Smash Hits.
Mother Tell your children not to walk my way Tell your children not to hear my words What they mean What they say Mother
Mother Can you keep 'em in the dark for life Can you hide them from the waiting world Oh mother
Father Gonna take your daughter out tonight Gonna show her my world Oh father
Not about to see your light And if you wanna find hell with me I can show you what it's like Till i'm bleeding
Not about to see your light And if you wanna find hell with me I can show you what it's
Mother Tell your children not to hold my hand Tell your children not to understand Oh mother
Father Do you wanna bang heads with me Do you wanna feel everything Oh father
Not about to see your light And if you wanna find hell with me I can show you what it's like Till i'm bleeding
Not about to see your light And if you wanna find hell with me I can show you what it's
Damn
Not about to see your light And if you wanna find hell with me I can show you what it's like Till you're bleeding
Not about to see your light And if you wanna find hell with me I can show you what it's like
Spartacus Blood and Sand: (Espartaco sangre y arena) es una serie norteamericana de Starz Media, Creada y producida por Robert Tapert, Sam Raimi, Josh Donen y Sarah Lazarova. Se estrenó el 22 de enero de 2010.
Este drama histórico se centra en Espartaco (interpretado por Andy Whitfield), un gladiador romano que más tarde se convierte en el líder de una rebelión de esclavos de gran envergadura contra la República romana.
Espartaco era un esclavo tracio muy culto, inteligente y justo. Estaba destinado a trabajos forzados en unas canteras de yeso, pero gracias a su fuerza física, fue comprado por un mercader para la escuela de gladiadores de Capua de Léntulo Batiato.
Así en el año 72 a. C., durante su permanencia en esta escuela, Espartaco ideó y llevó a cabo una rebelión a fin de escapar junto a varios compañeros. Unos 74 hombres, comandados por Espartaco, Criso y Enomao (estos dos últimos de origen galo) huyeron de la ciudad armados de todo lo que encontraron.
Al tener conocimiento del motín, los romanos, sin darle gran importancia a este incidente, enviaron desde Capua una pequeña brigada de soldados, la cual fue derrotada. Rápidamente los esclavos sustituyeron sus armas de gladiadores con verdaderas armaduras romanas.
Contrario a la doctrina militar romana, y menospreciando completamente a los esclavos, Clodio Glabro estableció su campamento al pie de la montaña, donde descendía el único camino proveniente de la cúspide, sin establecer una valla de protección. Al tener conocimiento de este hecho, Espartaco adoptó un brillante plan. Hizo descender a sus hombres por la parte más escarpada del volcán, atados por cuerdas a la cepa de una vid silvestre, cayendo por sorpresa sobre los soldados romanos, causándoles numerosas bajas y obligando a los supervivientes a darse a la fuga desordenadamente, dejando el campamento en manos de los esclavos. Esa fue la primera gran victoria de Espartaco, la Batalla del Vesubio; y el inicio de la gran revelión contra Roma. Fuente: Wikipedia.com
A continuación la lista de capítulos por temporada, espero disfruten de esta gran serie como lo es Spartacus Blood and Sand.
Actualizado 17 de Abril: se agregó el 1x13 de Spartacus Blood and Sand, osea el capítulo 13 de la temporada 1 (primera temporada) y se llama "Kill Them All".
Nota: El capítulo de Spartacus Blood and Sando 2x01 con Subs en Español (capítulo 1 de la temporada 2) sale el 30 de Septiembre de 2010.
Teotihuacán, Méx., 3 de agosto. Tomado de La Jornada.
Arqueólogos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) confirmaron la información que publicó La Jornada sobre el hallazgo del túnel que corre debajo del Templo de la Serpiente Emplumada, en la zona arqueológica de Teotihuacán, cuyo acceso fue cerrado hace aproximadamente mil 800 años y desde entonces nadie había entrado. Allí, se estima, estarían restos de gobernantes.
El descubrimiento es una oportunidad inigualable de acercarnos al pensamiento cosmogónico y religioso de los antiguos teotihuacanos, señaló Sergio Gómez Chávez, director del Proyecto Tlalocan: camino bajo la tierra.
El investigador informó que se trata de la exploración arqueológica más profunda que se haya hecho en el sitio, pues se trabaja a 12 metros.
Aunque todavía no se explora dentro del túnel, se ha visualizado mediante un georradar que éste tiene una longitud entre 100 y 120 metros, con ancho de tres a cuatro metros por cinco metros de altura y que alberga al menos tres cámaras.
“En esas cámaras se piensa que se encuentren los entierros. Es por ello que día a día nuestras expectativas se incrementan, pues hay muchas probabilidades de que dentro se halle una importante tumba u ofrenda. Sin embargo, no es algo que nos obsesione.
“Se sabe que al morir, los gobernantes eran sepultados en los lugares más sagrados. Desde hace mucho tiempo arqueólogos nacionales y extranjeros han intentado localizar las tumbas de los gobernantes de la antigua ciudad, pero la búsqueda ha sido infructuosa.
El túnel debió estar vinculado a conceptos relacionados con el inframundo, de ahí que no se descarta que en este lugar se hubieran realizado rituales de iniciación e investidura divina de gobernantes teotihuacanos, toda vez que el poder se adquiría en espacios sagrados, dijo Sergio Gómez.
Hasta el momento, en torno al túnel se han encontrado más de 60 mil pequeños objetos, como puntas de obsidiana, cerámica, ornamentos hechos en concha, jade importado de Guatemala, serpentina y pizarra, los cuales fueron arrojados por los teotihuacanos como ofrenda al momento de clausurar la entrada.
En conferencia de prensa, Sergio Gómez explicó que el túnel fue descubierto en 2003, cuando se formó una oquedad provocada por las lluvias, justo frente a la pirámide de Quetzalcóatl. En ésta última etapa, la cual constó de ocho meses de exploración, se localizó la entrada del túnel a 12 metros de profundidad.
Primeras imágenes
En la entrada del túnel, los arqueólogos abrieron una pequeña oquedad y utilizando el escáner tomaron las primeras imágenes del interior.
El escáner sólo pudo recorrer 37 metros, de los más de 100 que mide el túnel, debido a la irregularidad de la tierra. Topa con algo, quizá con piedras de algún derrumbe o porque el corredor tiene algún desnivel, dijo Juan Carlos García, operador de ese instrumento.
“Aunque nos falta excavar dos metros más para llegar al piso del túnel, contar con las primeras imágenes del interior nos permitirá planear mejor la forma de entrar. Aun así, tendremos que retirar gran cantidad de tierra y un pesado bloque de piedra que obstaculiza el acceso.
Todo el proceso podría llevarnos dos meses más de trabajo, pues debemos continuar la exploración con la misma sistematización que llevamos desde el inicio y así evitar perder información importante que nos permita saber qué actividades realizaban ahí los teotihuacanos hace miles de años y por qué razón decidieron cerrarlo, explicó Sergio Gómez.
Los arqueólogos todavía no han determinado con precisión la época de construcción del túnel, pero estiman que fue clausurado por los teotihuacanos entre los años 200 y 250 dC.
A la hora de clausurar el túnel los teotihuacanos arrojaron gran cantidad de grandes piedras que bloquearon el acceso. Los investigadores también dieron a conocer que el túnel es anterior a la construcción del Templo de la Serpiente Emplumada, así como de la Ciudadela.
El túnel es contemporáneo a una estructura arquitectónica de grandes dimensiones, que podría ser una cancha de juego de pelota, de acuerdo con la forma que tiene en planta, sostuvo Sergio Gómez.
Se piensa que debajo de la pirámide de Quetzalcóatl existió un edificio que los teotihuacanos desmantelaron para dar paso al Templo de la Serpiente Emplumada.
En la parte baja de la oquedad se localizaron varios muros superpuestos, hechos con bloques de tepetate perfectamente cortados. Hasta ahora se han desenterrado dos metros de altura de los cuatro a cinco que alcanzan.
Es posible que el túnel descubierto hubiera sido el elemento más importante y sagrado en torno al cual se hicieron las primeras edificaciones en este lugar, hacia el año 100 aC, y posteriormente, donde se construyera La Ciudadela, que fue el magno escenario donde debieron realizarse rituales vinculados con los mitos de la creación original y el inicio del tiempo mítico, expresó el arqueólogo.
Ya podemos ver el nuevo video de la vocalista finlandesa Tarja Turunen, tema que se llama “I Feel Immortal”, y que se encuentra en su nuevo álbum en estudio titulado "What lies beneath", el cual será publicado el 31 de Agosto de este 2010.
Misión Vietnam (Misión del deber en algunos países de Latinoamerica, Pelotón del deber en Venezuela y Camino al Infierno en España) fue una serie de televisión del género dramático, que originalmente estuvo al aire de 1987 hasta 1990. El programa trata de un escuadrón estadounidense en servicio activo durante la Guerra de Vietnam. Fue uno de varias producciones relacionadas con la guerra, que siguieron a la afamada película Platoon, de Oliver Stone.
La serie tuvo 3 temporadas, con un total de 58 episodios de una hora cada uno. La canción del programa, y que contribuyó mucho a la popularidad del show, era "Paint It Black", de The Rolling Stones, aunque también se incluían canciones de Creedence Clearwater Revival, Jimi Hendrix y Jefferson Airplane. El programa ganó un Emmy en 1988 por su sobresaliente mezcla de audio para una serie dramática, y fue nominada otra vez en 1989 y 1990. Sin embargo, las versiones de VHS y DVD tuvieron que usar música de bandas menos conocidas por razones de derechos de autor.
Aparte de su obvia orientación como programa de acción, Misión Vietnam también trataba otros asuntos más controvertidos, tales como racismo, suicidio, terrorismo, muertes de civiles, abuso de drogas, y las vidas destruídas y sentimientos en conflicto de aquellos que lograban volver a casa tras la guerra.
En la primera temporada, el programa mostraba a los protagonistas como un pelotón igual a otros que operaban en Vietnam, pero en la segunda temporada eran reubicados en Saigón para llevar a cabo misiones tipo "buscar y destruir". Finalmente, en la tercera temporada el escuadrón tomó una orientación de "estudio y observación", que en opinión de miembros del equipo de producción entrevistados posteriormente, sentenció el principio del fin de la serie.
También se introdujeron personajes femeninos con la esperanza de que el programa resultara atractivo a la audiencia de mujeres, lo cual redujo el realismo de la serie en favor de tramas más orientadas a la acción y el romance. La tercera temporada fue la última del programa.
"Overkill" fue el primer sencillo del segundo album de Men at Work, llamado "Cargo". Su primer álbum, Business as usual, fue un gran éxito y les ayudó a ganar un Grammy como "Mejor Nuevo Artista".
La banda rápidamente pasó de un grupo australiano local a un éxito mundial. El cantante Colin Hay escribió esta canción y dijo lo siguiente:
"Era una canción sobre lo que estaba sucediendo en ese momento, la experiencia que se da a través de entrar en lo desconocido. Se trata de tener un miedo de eso, pero sabiendo también que lo que iba a suceder era inevitable. Dejando atrás donde se está y entrar en algo que está fuera de tu control hasta cierto punto. Eso es lo que se sentía en ese momento."
Según Colin, en otra entrevista, la canción podría referirse a una relación con una persona o con un lugar. Él vivía en St. Kilda, que forma parte de Melbourne, y sintió que iba a salir de allí pronto. Al respecto agregó
"Se trata de salir de algún sitio y salir de su zona de confort. Te pasas un montón de años tratando de conseguir algo - la fama o el reconocimiento o llegar a un cierto punto -, y luego, cuando en realidad lo lográs, siempre hay una cierta cantidad de miedo que viene con eso, una sensación de pérdida de control, porque de repente no estás en control de una situación, hay otras personas involucradas, que crece y crece con el estrés mucho más."
La canción debutó en el Billboard Hot 100 en el #28 en abril de 1983, logrando alcanzar el puesto #3 a principios de junio de ese año. La canción logra tener un segundo impulso de vida diecinueve años más tarde a través de su relación con la comedia Scrubs. Una versión acústica en solitario por Hay aparece en el episodio "My Overkill", junto con un cameo de Hay cantándola. Cuando fue lanzado por primera vez, fue una desviación del estilo del grupo al pop reggae. "Overkill" posee letras contundentes y continetes el blues y las raíces se siente.
I can't get to sleep I think about the implications Of diving in too deep And possibly the complications
Especially at night I worry over situations I know WE'LL be alright Perhaps its just imagination
Day after day it reappears Night after night my heartbeat, shows the fear Ghosts appear and fade away
Alone between the sheets Only brings exasperation It's time to walk the streets Smell the desperation
At least there's pretty lights And though there's little variation It nullifies the night From overkill
Day after day it reappears Night after night my heartbeat, shows the fear Ghosts appear and fade away COME BACK ANOTHER DAY
I can't get to sleep I think about the implications Of diving in too deep And possibly the complications
Especially at night I worry over situations THAT I know will be alright It's just overkill
Day after day it reappears Night after night, my heartbeat, shows the fear Ghosts appear and fade away
The Rolling Stones Rock and Roll Circus es un especial hecho por The Rolling Stones para la televisión británica. Fue filmado entre el 11 y el 12 de diciembre de 1968 en el recinto Roundhouse de Lomdres, sin embargo nunca llego a emitirse.
Creado por Mick Jagger y Keith Richards, el programa se produjo como un espectáculo circense. La idea general del proyecto fue montar un espectáculo con acróbatas, payasos, malabaristas, equilibristas, enanos y tragadores de fuego compartiendo escenario con The Rolling Stones y un extraordinario set de músicos invitados como: Jethro Tull, The Who, John Lennon, Yoko Ono, Eric Clapton, Taj Mahal y Marianne Faithfull. Una de las actuaciones destacadas fue la de Dirty Mac, formado por Lennon (voz y guitarra), Richards (bajo), Clapton (guitarra) y Mitch Mitchell (batería), interpretando el tema Yer Blues de The Beatles.
A cada persona que ingresó al lugar de filmación se le entregó una capa de color brillante. La idea era generar una performance artística de vanguardia que incluyera tanto al público como a camarógrafos y técnicos, así como a artistas anónimos junto a estrellas consagradas a nivel mundial.
The Rolling Stones Rock and Roll Circus fue emitido en cine en 1996 después de estar casi 30 años guardado en un granero de Inglaterra. Una actuación mítica que durante mucho tiempo fue considerado uno de los tesoros perdidos del rock & roll. Un disco que todo el mundo conocía pero muy pocos habían escuchado. Fue la primera vez que Lennon toco en público sin los otros Beatles.
Como no fue transmitido en directo hubo tiempo de realizar varias tomas para cada canción, aunque mucha de la música que sonó aquel día quedó fuera de registro, ya que la mayoría de los ensayos no fueron grabados. El formato elegido hizo que el Rock and Roll Circus no fuera ni concierto, ni circo, ni programa de televisión, sino un documento registrado como disco y dvd que resulta imprescindible para cualquier fanático del rock and roll.
El orden del disco no corresponde a lo que realmente pasó en el Rock and Roll Circus pero está tan bien ordenado que da lo mismo. Todo inicia con una magistral introducción de Mick Jagger al presentar el Circo con un acento semi cantado y divertidamente británico. En seguida viene la clásica fanfarria de circo que suena al momento en el que todos los artistas salen a escena disfrazados con sicodélicos uniformes para saludar al público.
La música comienza con Jethro Tull y la fantástica A Song For Jeffrey. Aquí fue cuando algunos fanáticos de los Stones descubrieron a la banda de Ian Anderson y, probablemente, Jethro Tull debe la venta de muchos de sus discos a la canción que viene en The Rock and Roll Circus. La música llama la atención desde el primer flautazo y cuando entra la voz a prender la canción te comienza a crecer la barba y les salen puntas a tus orejas. Un tremendo comienzo que no queda sólo acá.
Keith Richards es el encargado de presentar a The Who. Lo hace con gorro de copa, fumando un puro y usando un parche de pirata en el ojo derecho. La introducción vocal de A Quick One While He’s Away es el temprano anuncio de que The Who viene decidido a robarse el protagonismo del circo. Es la pieza musical más elaborada del disco y uno de los mejores momentos. Pete Townshend, John Entwistle, Keith Moon y Roger Daltrey combinan música, puesta en escena, potencia, sonido y sentido del espectáculo en un nivel altísimo, tal como el pomposo nombre de “El Circo del Rock and Roll” amerita. A estas alturas puede que veas el listado de canciones preguntándote “¿no viene otra de The Who?” Lamentablemente, no.
La fanfarria circense que acompaña desde siempre al hombre de la cuerda floja musicaliza un show acrobático antes de que Taj Mahal salga a cantar. Aquí queda claro que estamos en diciembre de 1968 y que falta poco tiempo para Woodstock. Ain’t That A Lot Of Love es el perfecto retrato del rock cargado al blues de fines de los ‘60 antes llamarse rock clásico. ¡Qué solo de guitarra más cliché! Hoy en día, eso es lo que dan ganas de decir y resulta difícil obviar el paso del tiempo y darse cuenta que lo que suena por los parlantes alguna vez fue vanguardia y que, a diferencia de Jethro Tull o The Who, Taj Mahal toca un estilo de rock que fue absolutamente simbólico para la generación de las flores. Nada de esto logra, por cierto, opacar la actuación de Taj Mahal. Postre de sobra, música de esa que hace mover el pie, que deja la sensasión de ir avanzando. Ideal para caminar, pedalear o conducir.
Charlie Watts presenta a la entonces novia de Jagger como “The Beautiful Marianne Faithfull”, y la rubia canta Something Better, una tranquila melodía compuesta por Goffin & Mann que suena muy a la combinación Joan Baez v/s The Carpenters. Se trata del momento más relajado del álbum y funciona como una especie de puente entre el áspero rock del comienzo y el delirio que vendrá de la mano de John y Yoko. Estamos en la mitad de la producción, The Rolling Stones aún no tocan una nota y el álbum ya es todo un tesoro del rock and roll.
Una conversación de antología entre John Lennon y Mick Jagger precede la actuación de The Dirty Mac. Utilizando un recurso humorístico tan inglés como el té de las cinco, ellos simulan una absurda entrevista de Nigel (Jagger) a Winston Leg-Thigh (Lennon) quien viene a presentar a su supergrupo antes de salir a escena. El diálogo alcanza su clímax cuando Winston le revela a Nigel que en su banda tocará Keith Richards (“Dirty” dice Jagger en tono sarcástico) justo antes de ponerse de pie para regalarle un plato de arroz “en nombre del público británico” y subir al escenario. La secuencia es graciosa, aunque pudo ser mejor si es que Jagger hubiese podido mantener el personaje y resistirse las ganas de llamar “John” a Lennon.
John & Keith & Eric & Mitch llegaron a lo más alto que se puede llegar en el mundo del rock and roll y su combinación de nombres es tan poderosa como la de los propios Beatles y Stones. Cada uno de ellos alcanzó la gloria por separado y el Rock and Roll Circus fue la única vez que tocaron juntos. John Lennon (The Beatles) en voz y guitarra, Eric Clapton (Cream) como guitarrista principal, Mitch Mitchell (The Jimi Hendrix Experience) en batería y Keith Richards (The Rolling Stones) como sorpresivo bajista, se unieron para formar The Dirty Mac y contribuir a la humanidad con una fantástica versión de Yer Blues. La voz de Lennon tan punzante como en la versión del White Album. Clapton en una línea un poco más bluesera que Harison, Richards que no cede nada de protagonismo con el bajo y Mitch Mitchell validando lo buen baterista que era Ringo Starr con una secuencia de batería calcada a la original.
Si no repetiste Yer Blues viene el momento en que Yoko Ono y el violinista clásico Ivry Gitlis se unen al supergrupo para interpretar la surrealista Whole Lotta Yoko. Qué se puede decir de la música de Yoko Ono?; te gusta o la odias, te es adictiva o te es insoportable, pero inadvertida no pasa nunca. La provocación es tanto o más importante que el sonido para Ono, es una música que pretende generar reacciones fuertes y Whole Lotta Yoko no es la excepción. Suena como el maléfico canto de una bruja mientras sobrevuela tu cabeza en su escoba voladora. El hecho de que ésta sea la canción que antecede el acto de The Rolling Stonesno es casual y se trata de otro acierto en la edición. El cambio entre esto y Jumping Jack Flash es lo suficientemente fuerte como para que te alegres enormemente de que los Stones hayan comenzado a tocar.
Es raro que la banda principal aparezca en el track 14 de un disco. Y cuando lo que vino antes ha sido tan bueno puede resultar peligroso. El truco de la edición ayudó y la breve introducción de Lennon deja claro que los Stones son el plato fuerte. “And now…” son sólo dos palabras pero quieren decir “ahora vienen unos maes que no necesitan presentación y que son lo que vinimos a ver”.
Muy buena versión de Jumping Jack Flash, con Richards y Jones volviendo locos a todo el mundo, aunque el bajo de Bill Wyman suena saturado a ratos. El bajista queda a mano con una buena performance en Parachute Woman, uno de los actos blueseros que se encontraban entre lo más fuerte del repertorio de los Stones a fines de los ‘60 (junto con Confessin’ The Blues que fue tocada en el Rock And Roll Circus cuando los equipos no estaban conectados. Imperdonable). Jagger termina la canción con una frase para el bronce “God Save The Queen… said The Queen” (”Dios salve a la reina… dijo la reina”). Extraordinarias las versiones de No Expectations y You Can’t Always Get What You Want. La voz de Mick sonando joven y fresca aún, el melancólico slide guitar de Brian Jones, muy bien Nicky Hopkins al piano, Richards tocando con la onda de siempre y Charlie Watts algo relegado en términos generales, pero apareciendo lo justo y necesario para que te fijes en sus golpes. “Oh baby, Oh baby” es lo único que atina a pronunciar Jagger luego de dimensionar la versión que se acaban de mandar.
La mítica presentación de Sympathy For The Devil recorrió el mundo en versión video mostrando a Mick Jagger interpretando al cola de flecha en una performance de trance total y locura colectiva de todos los que estaban presentes en el estudio televisivo (Lennon incluido). Es el track más famoso del disco y mucho tuvo que ver el acto de Jagger que se quita la camiseta y descubre las provocativas imágenes maléficas que lleva pintadas en el cuerpo. Una estruendosa ovación y el gran final con “one last goodnightly song” como Mick define a Salt of The Earth, que sería el final perfecto si no fuera por un par de acoples que suenan en el momento menos indicado.
Mucha gente piensa que Stones y Beatles no se aguantaban y que la rivalidad entre ambas bandas era irreconciliable. No puede haber algo más alejado de la realidad. Un año antes de The Rock And Roll Circus había aparecido Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, en cuya carátula los Beatles decidieron incluir un homenaje a los Stones quienes eran sus amigos. La relación de Jagger y Lennon siempre fue buena a tal punto que Lennon, un supuesto “rival” de los Stones, aparece en la tapa de uno de sus mejores discos: éste.
"Dragula" es el primer sencillo del disco "Hellbilly Deluxe", el cual marcaba el debut de Rob Zombie como solista (1998). Desde su lanzamiento se ha convertido en su canción más conocida como solista. La canción se basa en el dragster "DRAG-U-LA" que aparece en la serie "The Munsters" (1964-1966). El audio inicial del video "superstition, fear and jealousy" es de la película "La Ciudad de los Muertos", y son pronunciadas por Christopher Lee.
El video musical muestra a Rob Zombie en el "Koach Munster", y no en el coche de carreras real: Dragula. Cuenta con varios disparos de los miembros del grupo y diversas escenas de películas. También en un lugar destacado aparece el robot asesino de la serie cinematográfica "The Phantom Creeps" (1939). Alcanzó gran rotación en MTV tras el gran éxito del álbum. El video también aparece en la película "Idle Hands" (1999) durante unos minutos. La canción también aparece en el sountrack de la película "The Matrix" (1999)
Dead I am the one, Exterminating son Slipping through the trees, strangling the breeze Dead I am the sky, watching angels cry While they slowly turn, conquering the worm
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Dig through the ditches, Burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Dead I am the pool, spreading from the fool Weak and want you need, nowhere as you bleed Dead I am the rat, feast upon the cat Tender is the fur, dying as you purr
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Do it baby, Do it baby Do it baby, Do it baby Burn like an animal
Dead I am the life, dig into the skin Knuckle crack the bone, 21 to win Dead I am the dog, hound of hell you cry Devil on your back, I can never die
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Do it baby, Do it baby Do it baby, Do it baby Burn like an animal
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Dig through the ditches, And burn through the witches I slam in the back of my Dragula
Lo que se presenta a continuación es un ejercicio bastante interesante. Con una notable edición y conocimiento de los códigos del cine clase B que se empleaba en los años cincuenta, el usuario de YouTube y montajista Iván Guerrero creó su propia versión de un trailer para el Imperio Contraataca… utilizando las mismas fuentes visuales que inspiraron a Lucas. Escenas de Metropolis, Forbideen Planet y muchas otras películas más desconocidas cobran nueva vida en este montaje plagado de efectos revolucionarios y en glorioso 3D.
A continuación, como lo vio tu abuelo en el cine de barrio, ¡¡The Empire Strikes Back!!
