I Feel Inmortal by Tarja Turunen

Ya podemos ver el nuevo video de la vocalista finlandesa Tarja Turunen, tema que se llama “I Feel Immortal”, y que se encuentra en su nuevo álbum en estudio titulado "What lies beneath", el cual será publicado el 31 de Agosto de este 2010.

Tour of Duty

Misión Vietnam (Misión del deber en algunos países de Latinoamerica, Pelotón del deber en Venezuela y Camino al Infierno en España) fue una serie de televisión del género dramático, que originalmente estuvo al aire de 1987 hasta 1990. El programa trata de un escuadrón estadounidense en servicio activo durante la Guerra de Vietnam. Fue uno de varias producciones relacionadas con la guerra, que siguieron a la afamada película Platoon, de Oliver Stone.

La serie tuvo 3 temporadas, con un total de 58 episodios de una hora cada uno. La canción del programa, y que contribuyó mucho a la popularidad del show, era "Paint It Black", de The Rolling Stones, aunque también se incluían canciones de Creedence Clearwater Revival, Jimi Hendrix y Jefferson Airplane. El programa ganó un Emmy en 1988 por su sobresaliente mezcla de audio para una serie dramática, y fue nominada otra vez en 1989 y 1990. Sin embargo, las versiones de VHS y DVD tuvieron que usar música de bandas menos conocidas por razones de derechos de autor.

Aparte de su obvia orientación como programa de acción, Misión Vietnam también trataba otros asuntos más controvertidos, tales como racismo, suicidio, terrorismo, muertes de civiles, abuso de drogas, y las vidas destruídas y sentimientos en conflicto de aquellos que lograban volver a casa tras la guerra.

En la primera temporada, el programa mostraba a los protagonistas como un pelotón igual a otros que operaban en Vietnam, pero en la segunda temporada eran reubicados en Saigón para llevar a cabo misiones tipo "buscar y destruir". Finalmente, en la tercera temporada el escuadrón tomó una orientación de "estudio y observación", que en opinión de miembros del equipo de producción entrevistados posteriormente, sentenció el principio del fin de la serie.

También se introdujeron personajes femeninos con la esperanza de que el programa resultara atractivo a la audiencia de mujeres, lo cual redujo el realismo de la serie en favor de tramas más orientadas a la acción y el romance. La tercera temporada fue la última del programa.

Overkill by Men At Work

"Overkill" fue el primer sencillo del segundo album de Men at Work, llamado "Cargo". Su primer álbum, Business as usual, fue un gran éxito y les ayudó a ganar un Grammy como "Mejor Nuevo Artista".

La banda rápidamente pasó de un grupo australiano local a un éxito mundial. El cantante Colin Hay escribió esta canción y dijo lo siguiente:

"Era una canción sobre lo que estaba sucediendo en ese momento, la experiencia que se da a través de entrar en lo desconocido. Se trata de tener un miedo de eso, pero sabiendo también que lo que iba a suceder era inevitable. Dejando atrás donde se está y entrar en algo que está fuera de tu control hasta cierto punto. Eso es lo que se sentía en ese momento."

Según Colin, en otra entrevista, la canción podría referirse a una relación con una persona o con un lugar. Él vivía en St. Kilda, que forma parte de Melbourne, y sintió que iba a salir de allí pronto. Al respecto agregó

"Se trata de salir de algún sitio y salir de su zona de confort. Te pasas un montón de años tratando de conseguir algo - la fama o el reconocimiento o llegar a un cierto punto -, y luego, cuando en realidad lo lográs, siempre hay una cierta cantidad de miedo que viene con eso, una sensación de pérdida de control, porque de repente no estás en control de una situación, hay otras personas involucradas, que crece y crece con el estrés mucho más."

La canción debutó en el Billboard Hot 100 en el #28 en abril de 1983, logrando alcanzar el puesto #3 a principios de junio de ese año. La canción logra tener un segundo impulso de vida diecinueve años más tarde a través de su relación con la comedia Scrubs. Una versión acústica en solitario por Hay aparece en el episodio "My Overkill", junto con un cameo de Hay cantándola. Cuando fue lanzado por primera vez, fue una desviación del estilo del grupo al pop reggae. "Overkill" posee letras contundentes y continetes el blues y las raíces se siente.

I can't get to sleep
I think about the implications
Of diving in too deep
And possibly the complications

Especially at night
I worry over situations
I know WE'LL be alright
Perhaps its just imagination

Day after day it reappears
Night after night my heartbeat, shows the fear
Ghosts appear and fade away

Alone between the sheets
Only brings exasperation
It's time to walk the streets
Smell the desperation

At least there's pretty lights
And though there's little variation
It nullifies the night
From overkill

Day after day it reappears
Night after night my heartbeat, shows the fear
Ghosts appear and fade away
COME BACK ANOTHER DAY

I can't get to sleep
I think about the implications
Of diving in too deep
And possibly the complications

Especially at night
I worry over situations
THAT I know will be alright
It's just overkill

Day after day it reappears
Night after night, my heartbeat, shows the fear
Ghosts appear and fade away

The Rolling Stones Rock and Roll Circus

The Rolling Stones Rock and Roll Circus es un especial hecho por The Rolling Stones para la televisión británica. Fue filmado entre el 11 y el 12 de diciembre de 1968 en el recinto Roundhouse de Lomdres, sin embargo nunca llego a emitirse.

Creado por Mick Jagger y Keith Richards, el programa se produjo como un espectáculo circense. La idea general del proyecto fue montar un espectáculo con acróbatas, payasos, malabaristas, equilibristas, enanos y tragadores de fuego compartiendo escenario con The Rolling Stones y un extraordinario set de músicos invitados como: Jethro Tull, The Who, John Lennon, Yoko Ono, Eric Clapton, Taj Mahal y Marianne Faithfull. Una de las actuaciones destacadas fue la de Dirty Mac, formado por Lennon (voz y guitarra), Richards (bajo), Clapton (guitarra) y Mitch Mitchell (batería), interpretando el tema Yer Blues de The Beatles.

A cada persona que ingresó al lugar de filmación se le entregó una capa de color brillante. La idea era generar una performance artística de vanguardia que incluyera tanto al público como a camarógrafos y técnicos, así como a artistas anónimos junto a estrellas consagradas a nivel mundial.

The Rolling Stones Rock and Roll Circus fue emitido en cine en 1996 después de estar casi 30 años guardado en un granero de Inglaterra. Una actuación mítica que durante mucho tiempo fue considerado uno de los tesoros perdidos del rock & roll. Un disco que todo el mundo conocía pero muy pocos habían escuchado. Fue la primera vez que Lennon toco en público sin los otros Beatles.

Como no fue transmitido en directo hubo tiempo de realizar varias tomas para cada canción, aunque mucha de la música que sonó aquel día quedó fuera de registro, ya que la mayoría de los ensayos no fueron grabados. El formato elegido hizo que el Rock and Roll Circus no fuera ni concierto, ni circo, ni programa de televisión, sino un documento registrado como disco y dvd que resulta imprescindible para cualquier fanático del rock and roll.

El orden del disco no corresponde a lo que realmente pasó en el Rock and Roll Circus pero está tan bien ordenado que da lo mismo. Todo inicia con una magistral introducción de Mick Jagger al presentar el Circo con un acento semi cantado y divertidamente británico. En seguida viene la clásica fanfarria de circo que suena al momento en el que todos los artistas salen a escena disfrazados con sicodélicos uniformes para saludar al público.

La música comienza con Jethro Tull y la fantástica A Song For Jeffrey. Aquí fue cuando algunos fanáticos de los Stones descubrieron a la banda de Ian Anderson y, probablemente, Jethro Tull debe la venta de muchos de sus discos a la canción que viene en The Rock and Roll Circus. La música llama la atención desde el primer flautazo y cuando entra la voz a prender la canción te comienza a crecer la barba y les salen puntas a tus orejas. Un tremendo comienzo que no queda sólo acá.

Keith Richards es el encargado de presentar a The Who. Lo hace con gorro de copa, fumando un puro y usando un parche de pirata en el ojo derecho. La introducción vocal de A Quick One While He’s Away es el temprano anuncio de que The Who viene decidido a robarse el protagonismo del circo. Es la pieza musical más elaborada del disco y uno de los mejores momentos. Pete Townshend, John Entwistle, Keith Moon y Roger Daltrey combinan música, puesta en escena, potencia, sonido y sentido del espectáculo en un nivel altísimo, tal como el pomposo nombre de “El Circo del Rock and Roll” amerita. A estas alturas puede que veas el listado de canciones preguntándote “¿no viene otra de The Who?” Lamentablemente, no.

La fanfarria circense que acompaña desde siempre al hombre de la cuerda floja musicaliza un show acrobático antes de que Taj Mahal salga a cantar. Aquí queda claro que estamos en diciembre de 1968 y que falta poco tiempo para Woodstock. Ain’t That A Lot Of Love es el perfecto retrato del rock cargado al blues de fines de los ‘60 antes llamarse rock clásico. ¡Qué solo de guitarra más cliché! Hoy en día, eso es lo que dan ganas de decir y resulta difícil obviar el paso del tiempo y darse cuenta que lo que suena por los parlantes alguna vez fue vanguardia y que, a diferencia de Jethro Tull o The Who, Taj Mahal toca un estilo de rock que fue absolutamente simbólico para la generación de las flores. Nada de esto logra, por cierto, opacar la actuación de Taj Mahal. Postre de sobra, música de esa que hace mover el pie, que deja la sensasión de ir avanzando. Ideal para caminar, pedalear o conducir.

Charlie Watts presenta a la entonces novia de Jagger como “The Beautiful Marianne Faithfull”, y la rubia canta Something Better, una tranquila melodía compuesta por Goffin & Mann que suena muy a la combinación Joan Baez v/s The Carpenters. Se trata del momento más relajado del álbum y funciona como una especie de puente entre el áspero rock del comienzo y el delirio que vendrá de la mano de John y Yoko. Estamos en la mitad de la producción, The Rolling Stones aún no tocan una nota y el álbum ya es todo un tesoro del rock and roll.

Una conversación de antología entre John Lennon y Mick Jagger precede la actuación de The Dirty Mac. Utilizando un recurso humorístico tan inglés como el té de las cinco, ellos simulan una absurda entrevista de Nigel (Jagger) a Winston Leg-Thigh (Lennon) quien viene a presentar a su supergrupo antes de salir a escena. El diálogo alcanza su clímax cuando Winston le revela a Nigel que en su banda tocará Keith Richards (“Dirty” dice Jagger en tono sarcástico) justo antes de ponerse de pie para regalarle un plato de arroz “en nombre del público británico” y subir al escenario. La secuencia es graciosa, aunque pudo ser mejor si es que Jagger hubiese podido mantener el personaje y resistirse las ganas de llamar “John” a Lennon.

John & Keith & Eric & Mitch llegaron a lo más alto que se puede llegar en el mundo del rock and roll y su combinación de nombres es tan poderosa como la de los propios Beatles y Stones. Cada uno de ellos alcanzó la gloria por separado y el Rock and Roll Circus fue la única vez que tocaron juntos. John Lennon (The Beatles) en voz y guitarra, Eric Clapton (Cream) como guitarrista principal, Mitch Mitchell (The Jimi Hendrix Experience) en batería y Keith Richards (The Rolling Stones) como sorpresivo bajista, se unieron para formar The Dirty Mac y contribuir a la humanidad con una fantástica versión de Yer Blues. La voz de Lennon tan punzante como en la versión del White Album. Clapton en una línea un poco más bluesera que Harison, Richards que no cede nada de protagonismo con el bajo y Mitch Mitchell validando lo buen baterista que era Ringo Starr con una secuencia de batería calcada a la original.

Si no repetiste Yer Blues viene el momento en que Yoko Ono y el violinista clásico Ivry Gitlis se unen al supergrupo para interpretar la surrealista Whole Lotta Yoko. Qué se puede decir de la música de Yoko Ono?; te gusta o la odias, te es adictiva o te es insoportable, pero inadvertida no pasa nunca. La provocación es tanto o más importante que el sonido para Ono, es una música que pretende generar reacciones fuertes y Whole Lotta Yoko no es la excepción. Suena como el maléfico canto de una bruja mientras sobrevuela tu cabeza en su escoba voladora. El hecho de que ésta sea la canción que antecede el acto de The Rolling Stones no es casual y se trata de otro acierto en la edición. El cambio entre esto y Jumping Jack Flash es lo suficientemente fuerte como para que te alegres enormemente de que los Stones hayan comenzado a tocar.

Es raro que la banda principal aparezca en el track 14 de un disco. Y cuando lo que vino antes ha sido tan bueno puede resultar peligroso. El truco de la edición ayudó y la breve introducción de Lennon deja claro que los Stones son el plato fuerte. “And now…” son sólo dos palabras pero quieren decir “ahora vienen unos maes que no necesitan presentación y que son lo que vinimos a ver”.

Muy buena versión de Jumping Jack Flash, con Richards y Jones volviendo locos a todo el mundo, aunque el bajo de Bill Wyman suena saturado a ratos. El bajista queda a mano con una buena performance en Parachute Woman, uno de los actos blueseros que se encontraban entre lo más fuerte del repertorio de los Stones a fines de los ‘60 (junto con Confessin’ The Blues que fue tocada en el Rock And Roll Circus cuando los equipos no estaban conectados. Imperdonable). Jagger termina la canción con una frase para el bronce “God Save The Queen… said The Queen” (”Dios salve a la reina… dijo la reina”). Extraordinarias las versiones de No Expectations y You Can’t Always Get What You Want. La voz de Mick sonando joven y fresca aún, el melancólico slide guitar de Brian Jones, muy bien Nicky Hopkins al piano, Richards tocando con la onda de siempre y Charlie Watts algo relegado en términos generales, pero apareciendo lo justo y necesario para que te fijes en sus golpes. “Oh baby, Oh baby” es lo único que atina a pronunciar Jagger luego de dimensionar la versión que se acaban de mandar.

La mítica presentación de Sympathy For The Devil recorrió el mundo en versión video mostrando a Mick Jagger interpretando al cola de flecha en una performance de trance total y locura colectiva de todos los que estaban presentes en el estudio televisivo (Lennon incluido). Es el track más famoso del disco y mucho tuvo que ver el acto de Jagger que se quita la camiseta y descubre las provocativas imágenes maléficas que lleva pintadas en el cuerpo. Una estruendosa ovación y el gran final con “one last goodnightly song” como Mick define a Salt of The Earth, que sería el final perfecto si no fuera por un par de acoples que suenan en el momento menos indicado.

Stones - Sympathy for the Devil (Circus'68)
Cargado por eu-stache. - Explorar otros videos musicales.

Mucha gente piensa que Stones y Beatles no se aguantaban y que la rivalidad entre ambas bandas era irreconciliable. No puede haber algo más alejado de la realidad. Un año antes de The Rock And Roll Circus había aparecido Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, en cuya carátula los Beatles decidieron incluir un homenaje a los Stones quienes eran sus amigos. La relación de Jagger y Lennon siempre fue buena a tal punto que Lennon, un supuesto “rival” de los Stones, aparece en la tapa de uno de sus mejores discos: éste.

En el siguiente enlace pueden observar el video.

Dragula by Rob Zombie

"Dragula" es el primer sencillo del disco "Hellbilly Deluxe", el cual marcaba el debut de Rob Zombie como solista (1998). Desde su lanzamiento se ha convertido en su canción más conocida como solista. La canción se basa en el dragster "DRAG-U-LA" que aparece en la serie "The Munsters" (1964-1966). El audio inicial del video "superstition, fear and jealousy" es de la película "La Ciudad de los Muertos", y son pronunciadas por Christopher Lee.

El video musical muestra a Rob Zombie en el "Koach Munster", y no en el coche de carreras real: Dragula. Cuenta con varios disparos de los miembros del grupo y diversas escenas de películas. También en un lugar destacado aparece el robot asesino de la serie cinematográfica "The Phantom Creeps" (1939). Alcanzó gran rotación en MTV tras el gran éxito del álbum. El video también aparece en la película "Idle Hands" (1999) durante unos minutos. La canción también aparece en el sountrack de la película "The Matrix" (1999)

Dead I am the one, Exterminating son
Slipping through the trees, strangling the breeze
Dead I am the sky, watching angels cry
While they slowly turn, conquering the worm

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Dig through the ditches,
Burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Dead I am the pool, spreading from the fool
Weak and want you need, nowhere as you bleed
Dead I am the rat, feast upon the cat
Tender is the fur, dying as you purr

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Do it baby, Do it baby
Do it baby, Do it baby
Burn like an animal

Dead I am the life, dig into the skin
Knuckle crack the bone, 21 to win
Dead I am the dog, hound of hell you cry
Devil on your back, I can never die

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Do it baby, Do it baby
Do it baby, Do it baby
Burn like an animal

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

Dig through the ditches,
And burn through the witches
I slam in the back of my
Dragula

¿Y si Empire Strikes Back fuese un film de 1950 y en 3D?

tomado de Salón del Mal

Lo que se presenta a continuación es un ejercicio bastante interesante. Con una notable edición y conocimiento de los códigos del cine clase B que se empleaba en los años cincuenta, el usuario de YouTube y montajista Iván Guerrero creó su propia versión de un trailer para el Imperio Contraataca… utilizando las mismas fuentes visuales que inspiraron a Lucas. Escenas de Metropolis, Forbideen Planet y muchas otras películas más desconocidas cobran nueva vida en este montaje plagado de efectos revolucionarios y en glorioso 3D.

A continuación, como lo vio tu abuelo en el cine de barrio, ¡¡The Empire Strikes Back!!

El enfrentamiento original

Family Guy. Episodio 3, Segunda temporada.
Todo inicio porque el pollo le dió un cupón vencido a Peter.

La Leyenda del Espantapájaros

La leyenda del espantapájaros es un corto de animación creado por el director madrileño Marco Besas. El corto (narrado de forma soberbia por Sancho Gracia) cuenta la triste historia de un espantapájaros que desea hacerse amigo de los pájaros en vez de asustarlos. La leyenda del espantapájaros ha ganado múltiples premios en festivales de cine de todo el mundo.

Ficha técnica:
Narrador: Sancho Gracia
Escritor y Director: Marco Besas
Animación / Ilustraciones: Carlos Lascano
Música Original: Fernando Cascales
Productor: Juan Manuel Díaz
Diseño de Sonido: Antonio Garrido
Editor y Efectos: Carlos Lascano
Animación 3D y Modelos: Fernando Cascales

Las aventuras de Ibn Fadlan

Información extraída de El Caldero de la Bruja

Ahmed Ibn Fadlan fue un cronista persa enviado por el Califa de Bagdad con una embajada al Rey del Búlgaros, en el año 921, en una región del Volga. Allí escribió todo aquello que vio y escuchó a lo largo del viaje, cosa que ha sido de gran ayuda para los historiadores actuales, aunque siempre teniendo en cuenta los posibles prejuicios propios de un Ibn Fadlan habituado a unas costumbres palaciegas de una de las sociedades más refinadas de la época.

Para aquéllos a quienes les suene el nombre o algo de lo que relata el persa, hay una explicación: es la otra fuente de información que utilizó Michael Crichton a la hora de escribir “Los Devoradores de Cadáveres”, la novela en la que se basó la película protagonizada por Antonio Banderas y Vladimir Kulic “El Guerrero número 13″.

Gran parte de su crónica está dedicada a los vikingos, que se encontraban allí para comerciar, a los que llama Rus; tal es el nombre que los nórdicos recibieron en Oriente y que daría lugar al nombre de Rusia, reino que ellos fundaron con base en la ciudad de Kiev.

Ibn Fadlan se asombra por la perfección física de aquello hombres altos, fuertes, de piel muy blanca y rubios o pelirrojos, que vestían unos atuendos para él desconocidos. No menos estupefacto quedó con las armas que aquellos hombres portaban (hachas arrojadizas o espadas rectas y acanaladas) o los tatuajes que cubrían sus brazos de color verde oscuro. En aquel viaje, posiblemente de manera extraordinaria, les acompañaban sus esposas, que llevaban prendida en su túnica una cajita metálica, cuyo valor indicaba la riqueza de su esposo, además de unos caros collares de oro y plata. Se extraña así mismo el cronista del precio exagerado que llegan a pagar estos mercaderes por las cuentas de vidrio con que también se adornan sus mujeres.

Pero no todas las observaciones resultan positivas o tan siquiera indiferentes. Al parecer, la higiene no ocupaba un valor muy importante entre aquella gente. “Son las criaturas más asquerosas que Dios ha creado”, escribe el persa. El caso es que los vikingos no se lavaban después de mantener relaciones sexuales ni después de comer, y eso resultaba inexcusable para un musulmán; por las mañanas si que se lavaban, pero he aquí un nuevo motivo de queja, ya que todos lo hacen en la misma palangana, cuando las normas islámicas decían que el agua con que alguien se lava (purifica) no debe tocar a nadie más.

Si alguno de ellos caía enfermo se apartaba del grupo a una tienda de campaña, alimentándose sólo de pan y agua, sin que los demás fuesen tan siquiera a visitarlo; si se recuperaba, volvía con los demás; si moría, lo incineraban. En caso de que fuese un esclavo, tenía más posibilidades de que fuese comido por los perros o por los buitres.

El rey de los Rus tenía en su palacio 400 hombres: los mejores guerreros y los que merecían su confianza, capaces de morir por él. Cada uno de ellos tenía dos esclavas, una que le servía la comida y otra con la que dormía. Aquí otra de las costumbres inexcusables: a veces el rey no dudaba en desfogarse con alguna de sus cuarenta esclavas sin bajarse siquiera del trono, y sin importar quien estuviese mirando. “Son como asnos salvajes”, es la conclusión del persa.

Cuando los Rus desembarcaban, lo primero que hacían era clavar una especie de poste con una cara labrada, ante la que se postraban invocando a alguno de sus dioses, al que piden que llegue algún mercader con muchos dinares y con ganas de comprarle las mercancías que ellos han traído desde tan lejos. Dejan una ofrenda a su dios, cosa que volverán a repetir otros días en caso de que las transacciones comerciales no salgan como desea. En cambio, si todo a salido a pedir de boca, les ofrecen un sacrificio en toda regla, dejando parte de la carne ante los ídolos y clavando la cabeza de los animales en estacas.

Especial relevancia en la crónica de Ibn Fadlan tiene la ceremonia de cremación de un personaje importante, debido a la minuciosidad con que la describe. No hay ningún otro escrito que pormenorice tanto un ritual funerario vikingo.

Primero hacen un entierro preliminar del cadáver y lo mantienen así durante diez días; mientras tanto, los familiares del difunto preguntan a sus esclavas quien quiere acompañar a su amo al más allá. La esclava que se presenta voluntaria recibe un tratamiento especial que la mantiene en un permanente estado de felicidad; se pone todo tipo de adornos, bebe, canta y se entrega a los hombres, mientras las demás preparan la ropa que el muerto llevará más tarde. Estas ropas son muy importantes en el ritual; para hacerlas se han apartado un tercio de los bienes dejados por el difunto; otra parte es para la familia y la restante para comprar la hidromiel que se consumirá durante las ceremonias de esos días, que llegan a adquirir carácter orgiástico.

Los amigos del muerto llevan su barco a tierra, varándolo sobre unos soportes de madera, y acampan a su alrededor. Entonces entra en escena una anciana de aspecto más bien siniestro a quien llaman el ángel de la muerte, que viste al muerto, tras ser sacado de la tumba, con la lujosa ropa nueva. Los amigos lo suben al barco y lo acuestan dentro de una tienda de campaña, sobre mantas y cojines. A su lado van depositando comida y bebida, además de sus armas. Fuera del barco, descuartizan su perro y sus dos caballos, así como dos bueyes, un gallo y una gallina, echando los pedazos sobre la cubierta del barco. Mientras tanto, la esclava recorre sucesivamente las tiendas de los amigos del muerto y mantiene relaciones sexuales con ellos, cosa que es considerada como un homenaje especial que estos hacen al difunto. Ella protagoniza después un pequeño ritual en que es alzada sobre un armazón de madera y, mirando a lo lejos, dice ver a sus padres, a su parientes muertos y por fin a su señor que la llama. La suben al barco y le dan varias veces de beber hidromiel, cuyos efectos le hacen cantar y despedirse de sus seres queridos. La anciana la mete en la tienda y los hombres que permanecen cerca del barco golpean sus escudos con las lanzas, provocando un ruido ensordecedor. Seis de ellos entran también en la tienda y mantienen con la esclava una nueva sesión de sexo antes de que cumpla con su misión; finalmente la vieja le clava un cuchillo mientras dos de los hombres la estrangulan con un cordón. Después, el pariente más próximo del difunto, desnudo y caminando de espaldas, tira una antorcha a la leña amontonada bajo el barco; los demás amplían la hoguera con su propias antorchas. Aproximadamente una hora después, cuando todo ha quedado reducido a cenizas, erigen sobre ellas un montículo y sobre él un poste donde graban con runas el nombre del muerto y el de su rey. El funeral termina con la borrachera general de todos los asistentes, sin ningún tipo de muestras de dolor.

Ante la extrañeza del persa por el hecho en sí de la cremación, a parte del resto de parafernalia, un vikingo le increpa con la costumbre de los musulmanes de poner a los muertos bajo tierra, donde los gusanos los devorarán.

Arqueólogos descubren 8 entierros de 600 años de antigüedad en norte de Perú

Lima, (EFE).- Los trabajos arqueológicos en el complejo de Jotoro, en la región Lambayeque, al norte de Perú, permitieron el hallazgo de ocho tumbas de más de 600 años de antigüedad que pertenecerían a altos dignatarios, según informó este domingo la prensa en Lima.

Los entierros encontrados en la zona oeste del complejo Jotoro, que corresponden a la cultura Chimú, contienen recámaras, donde hay personajes que fueron colocados en ataúdes de caña y con ofrendas, mantos de algodón nativo y adornos de concha spondylus, explicó el arqueólogo Juan Martínez Fiestas, al diario Perú.21.

Tres de las tumbas pertenecen a niños de entre dos y cuatro años, y junto al resto de entierros de adultos se han hallado ofrendas de cerámica negra, collares, brazaletes y ofrendas en miniatura "lo que determina la importancia que tuvieron estos personajes", subrayó Martínez.

El experto trabaja en el complejo arqueológico desde el año pasado y las excavaciones deben terminar en 2013.

El director de la Unidad Ejecutora Naylamp, Celso Sialer, dijo a la prensa que se ha programado una inversión de 1,9 millones de soles (más de 600.000 dólares) para las investigaciones en este lugar.

Según los vestigios encontrados, donde se aprecia un patio central con paredes de barro, el complejo habría sido un centro administrativo, y posteriormente se convirtió en plataforma funeraria de los dignatarios de la época.